CICLO:

GRAN CINE ARGENTINO

CLÁSICOS ENTRE CLÁSICOS (I parte)

Miércoles a las 17.00 horas

miércoles 1º

LA GUERRA GAUCHA (1942)

Blanco & Negro

Estreno: 20 de noviembre de 1942

ATP 95 minutos

Salta, 1817. Guerra de la Independencia. Un teniente realista cae herido, es tomado cautivo y convalece atendido en la estancia de una joven patriota.

Dirección: Lucas Demare. Guión: Lucas Demare según la novela de Leopoldo Lugones con la adaptación de: Ulyses Petit de Murat y Homero Manzi. Intérpretes: Enrique Muiño, Francisco Petrone, Ángel Magaña, Sebastián Chiola, Amelia Bence, Ricardo Galache, Dora Ferreiro, Elvira Quiroga y elenco.

miércoles 8

DIOS SE LO PAGUE (1948)

Blanco & Negro

Estreno: 11 de marzo de 1948

IM18 119'

Un extraño mendigo y una bella mujer se conocen en extrañas circunstancias. Ambos ocultan su pasado mientras la pasión los une y los separa.

Dirección: Luis César Amadori. Guión: Tulio Demicheli según la obra de Joracy Camargo. Intérpretes: Arturo de Córdova, Zully Moreno, Enrique Chaico, Florindo Ferrario, Zoe Ducós, José Comellas, Adolfo Linvel, Raúl Deval y elenco.

miércoles 15

LOS ISLEROS (1951)

Blanco & Negro

Estreno: 20 de marzo de 1951

SR 112'

Una tormenta de pasiones se desata en una familia del delta del Paraná cuando el hijo trae a su esposa a vivir con sus padres.

Dirección: Lucas Demare. Guión: Ernesto L. Castro sobre su propia novela. Intérpretes: Tita Merello, Arturo García Buhr, Roberto Fugazot, Enrique Fava, Alita Román, Luis Otero, Cayetano Biondo, Lucas Demare, Mario Passano y elenco.

miércoles 22

LA BARRA DE LA ESQUINA (1950)

Blanco & Negro

Estreno: 4 de julio de 1950

IM 14 84'

Un cantor exitoso vuelve a su barrio de origen y se reencuentra con sus viejos amigos.

Dirección: Julio Saraceni. Guión: Carlos A. Petit, Rodolfo Sciammarella y Manuel M. Alba según la obra de Carlos Goicochea y Rogelio Cordone. Con Alberto Castillo, María Concepción César, José Marrone, Iván Grondona, Julia Sandoval, Ricardo Lavié, María Esther Corán y elenco.

miércoles 29

DONDE MUEREN LAS PALABRAS (1946)

Blanco & Negro

Estreno: 25 de abril de 1946

ATP 75 minutos

Un viejo sereno de teatro y un misterio relacionado con una bailarina muerta y un ballet.

Dirección: Hugo Fregonese. Supervisión: Lucas Demare. Guión: Homero Manzi y Ulyses Petit de Murat. Con: Enrique Muiño, Darío Garzay, Héctor Méndez, Italo Bertini, Aurelia Ferrer, María Ruanova, Linda Lorena, René Mugica, Pablo Cumo, Vittorio Podrecca y sus Piccoli y elenco.

jueves 2

HOMENAJES(I parte)

(A veinte años de la muerte de Bernard-Marie Koltès)

UNE AUTRE SOLITUDE (1996)

Duración: 78 minutos.

Bernard-Marie Koltès, es uno de los nombres imprescindibles del teatro del último cuarto del siglo XX. Su espacio dramático es impreciso, provisorio. Un paisaje, casi de catástrofe, urbano, industrial, definitivamente en las márgenes y -con una o dos excepciones- nocturno: ruinas, desechos, obras que en plena construcción ostentan ya su naturaleza intrínseca de chatarra. Es natural, por lo tanto, que los personajes sigilosos, especulativos, clandestinos -aunque estén condenados a merodearlos- parezcan siempre estar intentando salirse de ellos. Contra un tiempo de fugaces modas teatrales, la normativa de Koltès parece anacrónica (el desarrollo lineal de espacio-tiempo). La historia es su trasfondo insoslayable y (¿lo habrán advertido sus admiradores?) propone una antítesis a las estéticas de la posmodernidad, en todo caso, sus textos implican la conciencia del fin de la modernidad.

La revelación del enorme talento de Koltès le debe mucho, qué duda cabe, a la sensibilidad de Patrice Cherau. El gran director francés entendió la naturaleza antirromántica de esos textos, la sombría química de una poética en la que afectividad y transacciones comerciales, no son valores excluyentes. Precisamente la filmación que les presentamos nos permite acceder a la intimidad del ensayo de una de las realizaciones emblemáticas del binomio. La película de Stéphane Metge, de 1996, relata esencialmente el proceso de creación y elaboración de la tercera puesta en escena de Patrice Chéreau, con la actuación de Pascal Gregory, de En la soledad de los campos de algodón (la primera, del Theatre des Amadiers-Nanterre, es de 1987).

jueves 9

EL TEATRO DE HISPANOAMERICA (I parte)

(Reposición de la función del 30/04/09)

Grupo LA ZARANDA: Los que ríen, los últimos

Teatro Nacional Cervantes (Sala María Guerrero), julio de 2008.

No se trata -por supuesto- de la España única del franquismo, ni siquiera de las dos Españas que nombró Antonio Machado, hay muchísimas otras, tantas que España, en lo esencial, es lo que surge del tejido de sus diferencias. Por eso, las apreciaciones sobre la alta, y mucho más habitualmente, la baja calidad del actual Teatro Español que abundan en nuestro medio, atienden exclusivamente a Madrid o a Barcelona y resultan, no sólo pedantes, también reveladoras de una profunda ignorancia sobre las teatralidades, varias y hasta formal e ideológicamente contrastantes, que se manifiestan a lo largo y a lo ancho del Estado Español.

El Grupo La Zaranda sirve, sin duda, como ejemplo elocuente: nacido en Jerez de la Frontera (Andalucía, La Baja) en 1978, en su historia caben dos etapas muy precisas: la del nacimiento y la de la intuición que llega con Juan Sánchez, como autor y director, a su máximo esplendor y, ya en los 90, la que definen Paco de la Zaranda, actor y director en ocasiones, y Eusebio Calonge, como dramaturgo.

No cambia, la percepción de una forma de vivir, de un dolor oscuro, de una cierta sacralidad, sin la cual el arte flamenco es mera andaluzada, lo que sí se modifica es la perspectiva, porque la Historia -pese a su final tan anunciado- transcurre despiadada y conmina a ahondar el pensamiento o a repetirse, y La Zaranda ahonda, sin desencanto pero obligándose, en palabras de Calonge- "a abrir de nuevo la puerta a la Metafísica" ya que el mundo del post capitalismo ha abolido la sacralidad de las cosas.

Para la ocasión, el elenco estuvo constituido por: Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez, con la voz en off de Juan Pedro Carrión. Textos e iluminación: Eusebio Colange. Textos y dirección: Paco de la Zaranda.

jueves 16

DOCUMENTAL (III parte)

EL MUNDO ES UN ESCENARIO. Un viaje personal por el Teatro.

(ALL THE WORLD´S A STAGE. One man`s journey through the Theatre)

Continuamos con la proyección de esta serie en 12 episodios, de la BBC 2 TV. Ronald Harwood, a quien seguramente el público argentino recuerda por su pieza El vestidor puesta en escena en 1997 por Miguel Cavia, con Federico Luppi y Julio Chávez, es su autor y presentador.

Desde la prehistoria hasta nuestros días, Harwood nos acompaña por los escenarios históricos del arte dramático y, desde perspectivas lúcidas, atractivas y discutibles, nos propone un documento abierto, imprescindible, que, además, se apoya en el trabajo y el testimonio de los más grandes artistas del drama del siglo XX y en puestas, fiestas y ceremonias teatrales paradigmáticas.

7: MEDIAS DE SEDA Y SENOS BLANCOS. El fin de la Revolución Inglesa (La Restauración) infundió en la escena inglesa (tras 18 años de prohibición puritana) un estremecimiento de alegría cortesana, ingenio y sexualidad explícita. Los roles femeninos son encarados por actrices, los miembros de la farándula adquieren una notoriedad desusada hasta entonces, y las compañías teatrales compiten con ferocidad.

8: LOS VICIOS DE LA HUMANIDAD. EL SIGLO DE ORO DEL TEATRO FRANCÉS. Es el tiempo de la tragedia clásica (la de Pierre Corneille, la de Jean Racine) que elevó el teatro barroco francés a la pura excelencia literaria; el del gremio de dramaturgos del Cardenal Richelieu, prisión de oro, en la que las unidades aristotélicas eran artículos de fe, también el de Molière, crítico, burlón, cómico y amargo, que como autor escribía para el actor y como actor guiaba la pluma del autor.

jueves 23

LAS PUESTAS HISTÓRICAS (IV parte)

TRES HERMANAS

Dirección: Peter Stein. Interpretación: Peter Simonischek, Edith Clever, Jutta Lampe y elenco. Una puesta en escena del Schaubühne am Lehniner Platz, Berlín. Basada en el drama de Antón P. Chéjov, traducido al alemán por Gudrun Düwel y Peter Urban.

Fresco aún el recuerdo del montaje de Lee Strassberg de esta obra de Chéjov, que, filmada por Paul Bogart en 1965, programamos en abril y, a pedido del público, en junio pasado, nos parece interesante confrontarla rápidamente con la de Peter Stein, desde mediados de los 60, uno de los directores más influyentes de la escena europea y mundial. Estas Tres hermanas se producen en el momento más fecundo de su trabajo al frente del Schaubühne am Lehniner Platz, Berlín -desde el que propondría con, entre otros, Klauss Martin Grüber y Luc Bondy, una renovación radical para el teatro alemán; y, sobre todo tras su apoteósica presentación en Moscú se constituyó en referencia antagónica y complementaria a las ideas de Stanislavsky sobre la dramaturgia chejoviana.

jueves 30

RUPTURAS Y TRANSICIONES (I parte)

EL ANIMADOR

(The Entertainer, 1960)

Dirección: Tony Richardson

Guión: Sobre la obra de John Osborne, por Nigel Kneale y John Osborne.

Música Original: John Addison

Director de Fotografía: Oswald Morris

Reparto: Laurence Olivier (Archie Rice), Brenda De Banzie (Phoebe Rice), Roger Livesey (Billy Rice), Joan Plowright (Jean Rice), Alan Bates (Frank Rice), Daniel Massey (Graham), Albert Finney, (Mick Rice), Shirley Anne Field, (Tina Lapford), Thora Hird, (Mrs. Ada Lapford), Tony Longridge (Mr. Wilfrid Lapford) y elenco.

En mayo de 1956 (dos meses después Egipto nacionalizaría el Canal de Suez), el Royal Court Theatre que dirigía George Devine, estrenó Recordando con ira (Look Back in Anger), la obra de un joven dramaturgo, John Osborne que, sobre todo por oportunidad, estaba destinada a develarnos un teatro inglés distinto del que todos reconocíamos y preveíamos. No se trataba sólo de un salto de los buenos a los malos modales, sino del acceso a los escenarios, y el consecuente paso a la popularidad, de toda una generación, la de la posguerra, profundamente desencantada y muy, muy enojada (autores, actores y personajes) con una realidad uniformemente gris. Laurence Olivier, sin embargo, no se sintió demasiado impresionado cuando la vio por primera vez, al contrario, Arthur Miller lo recuerda como "ofendido con la obra, herido en sus sentimientos patrióticos". Eso no impidió que una segunda visión modificase radicalmente su juicio y que, en consecuencia, le pidiese a Osborne, con toda humildad, que se acordara de él cuando escribiera otro drama. Ese encuentro significa mucho más que esta pieza, El animador, que en versión cinematográfica de Tony Richardson, les ofrecemos: sugiere una síntesis entre tradición y evolución escénica que explica el cruce de Olivier o John Gielgud, con Albert Finney, Tom Courtenay o Alan Bates; que abre (no demasiado traumáticamente) la escena para Arnold Wesker, Tom Stoppard y, fundamentalmente, Harold Pinter; que, con toda naturalidad, pone la obra de Shakespeare, en manos de Peter Hall, Peter Brook y, algo después, en las de Trevor Nunn o Deborah Warner.