Ciclo
GRAN CINE ARGENTINO

Miércoles a las 17.00 horas

miércoles  7     
LOS TRES BERRETINES  (1933)

Guión: Arnaldo Malfatti y Nicolás de las Llanderas
Fotografía: John Alton
Música: Enrique Pedro Delfino
Intérpretes: Luis Sandrini, Luis Arata, Luisa Vehil, Benita Puértolas, Trío Foccile-Marafiotti, Aníbal Troilo, Osvaldo Fresedo y elenco.

Dirección: Enrique T. Susini

miércoles 14
LA MUCHACHA DE A BORDO (1936)

Guión: Manuel Romero según su obra teatral homónima
Fotografía: José Luis  Romero y Jorge C. Lemos
Música: Rodolfo Sachs
Intérpretes: Luis Sandrini, Tito Lusiardo, Santiago Arrieta, José Gola, Benita Puértolas, Alicia Barrié y elenco.

Dirección: Manuel Romero

miércoles 21
EL DIABLO ANDABA EN LOS CHOCLOS (1946)

Guión: Pedro E. Pico e Ivo Pelay según la obra teatral de Orlando Aldama
Fotografía: Carlos Torres Ríos
Música: Francisco Canaro
Intérpretes: Luis Sandrini, Silvana Roth, Alita Román, Eduardo Sandrini,
María Esther Buschiazzo y elenco.

Dirección: Manuel Romero

miércoles  28    
CUANDO LOS DUENDES CAZAN PEDICES (1955)

Guión: Carlos A. Petit según la obra teatral del Orlando Aldama
Fotografía: Humberto Peruzzi
Música: Víctor Buchino

Intérpretes: Luis Sandrini, Malvina Pastorino, Eduardo Sandrini, María Esther Buschiazzo y elenco.
Dirección: Luis Sandrini

jueves  1
BAJO EL BOSQUE DE LECHE (1972)

(Under Milk Wood)

“¿Qué estás leyendo?”, le pregunta Polonio a Hamlet. “Palabras, palabras, palabras”, le responde el joven Príncipe. Y desde entonces fueron necesarias montañas de palabras para vaciar el escenario de palabras. El Padre Ubú desata un alud de enunciación patafísica para decirnos que “Vivir es acto, y sus letras no tienen sino el sentido del delirio de una cochinilla dada vuelta”,  ¿y   qué nos queda de Artaud? Tan solo ¡y nada menos! hermosísimas, desmesuradas palabras que intentan trasmitirnos una idea física y no verbal del teatro. Y así, la exuberancia de didascalias, de descripciones maniáticas de  acciones mudas, por parte de Beckett, y el delirio verbal de Ionesco que se autoparodia, y el guión silencioso pero abigarrado de letras de Handke,  etcétera, etcétera.
Toda una summa literaria para probar que el teatro no es literatura.
Dylan Thomas es la antítesis genial de esos discursos, y Bajo el bosque de leche, su comedia para voces, con la contundencia de su poética, les propone una crisis reveladora. Thomas nos enfrenta a otro teatro que logra todas las sugerencias y figuraciones de un espectáculo invisible y lo transforma en realidad, y cuando la representación o el cine nos permite figurarlo, la imagen, la acción, deben ser desatadas por las palabras, eso sí, desvanecidas, inciertas, trémulas, como los recuerdos y la música. Con esas voces, en polifonía, se construyen los sueños y los íntimos pensamientos de los habitantes de Llareggub, pueblito de pescadores, el espacio que retrotrae al paisaje de la infancia: Swansea, en la rocosa costa celta de Gower. Allí fue donde el poeta se enamoró de las palabras que -nos cuenta- estaban allí entonces,   aparentemente inertes, hechas solo de blanco y negro, pero de ellas, de su propio ser, surgían el amor, el terror, la piedad, el dolor, la admiración y todas las demás abstracciones imprecisas que tornan peligrosas, grandes y soportables nuestras vidas efímeras. Y la voz de Richard Burton (otro galés genial, compañero de las legendarias borracheras del poeta) es el instrumento natural de esa eufonía. Él grabó la obra en 1954 para la BBC y también la interpretó en la versión que ahora les ofrecemos. Cuando en 2003, en ocasión de los 50 años de la muerte de Dylan Thomas, la BBC volvió a registrarla, necesitó rescatar la antigua grabación de Burton (muerto en 1984) e insertarla en la nueva producción, para que la magia volviera a suceder.
Andrew Sinclair, el director del film, es un interesante novelista, crítico y cineasta británico, autor, además de “Dylan el Bardo: una vida de Dylan Thomas”, una biografía notable de la que hay traducción española.
Autor: Dylan Thomas
Fotografía: Robert Huke
Música: Brian Gascoigne, Trevor Herbert

Intérpretes: Richard Burton, Elizabeth Taylor, Peter O'Toole, Glynis Johns, Vivien Merchant, Victor Spinetti.

Dirección y guión: Andrew Sinclair

jueves 8
TEATRO, MÚSICA (1)
JUNO Y EL PAVO REAL (1930)

(Juno and the Paycock)

Cuando a Borges le pidieron una opinión sobre literatura indigenista, él dijo que había que requerírsela a un escritor boliviano. En un encuentro de dramaturgos que se realizó en 2002 en el Cervantes, alguien del público le preguntó a un panelista en qué consistía “ser actor argentino” y el panelista, figura prestigiosa, le respondió “Un actor inglés no se plantea eso”.... y es posible que no se equivocara: quizás un actor/autor inglés no se hace esa pregunta, ¿pero tampoco se la hace un actor/autor corso en Francia, un palestino en Israel, un kurdo en Turquía, un chechenio en Rusia, un “sudaca” en España, etc..? Me consta que a los actores y a los poetas de Irlanda, sí se lo plantearon. Hasta los autoexilios desde Joyce a Beckett son constataciones de pertenencia, de hecho, cuando a éste último le preguntaron si era un escritor de Inglaterra, contestó que precisamente era “de todo lo contrario”. “Irlanda es uno de esos lugares donde el escritor se encuentra en el cruce de la ambición artística, de la implicación política y de la conciencia de la patria” afirma Seamus Heaney y la trayectoria del Abbey Theatre, creado en 1899, en el fragor del movimiento nacionalista, que culminó en el Tratado de independencia de 1921, confirma espléndidamente esa idea. En 1924, W. B. Yeats y Lady Gregory, sus fundadores, ofrecieron el Abbey al gobierno del Estado Libre como un presente al pueblo irlandés. Y de hecho, ese pueblo épico, cómico y exaltado es, por sobre los poetas que lo expresaron, el protagonista excluyente de su historia. Un público que  hizo del Abbey su espejo y, en consecuencia, lo amó y lo odió apasionadamente según éste lo reflejara. Sean O´Casey, un  hijo de los arrabales dublineses, lírico, burlón, descortés, radical, provocó con Juno y el pavo real un auténtico tumulto. Si El alborotador del mundo occidental de John W. Synge chocó contra el nacionalismo estrecho y la dogmática católica, este aguafuerte de límites difusos entre la tragedia y el humor grotesco, ofendió con su retrato social nada complaciente. La versión que les ofrecemos, es la segunda película sonora de Alfred Hitchcock y, a seis años del estreno de la obra, intenta no traicionar el espíritu del montaje original y, para ello,  convoca a algunos de los actores emblemáticos del Abbey, entre ellos el inolvidable Barry Fitzgerald. 
Autor: Sean O'Casey
Fotografía: Jack E. Cox
Intérpretes: Barry Fitzgerald, Maire O´Neill, Edward Chapman, Sidney Allgood, Joyhn Laurir, Dave Morris, Kathleen O´Regan, John Longden, Dennis Wyndham, Fred Schwartz, Donald Calthrop.

Dirección: Alfred Hitchcock

jueves  29

SALOMÉ (1923)

Oscar Wilde sabía mucho sobre las fantasías que el voluptuoso arquetipo de Salomé había desatado en la imaginación de los artistas que lo precedieron. Desde Heinrich Heine a J. K. Huysmans, incluyendo, por supuesto, a Mallarme y a Flaubert, en cuya imagen: “Sus actitudes expresaban suspiros, y toda su persona tal languidez que ya no se sabía si lloraba a un dios o se moría en su caricia” descubría, sin duda, el modelo obstinado de Gustav Moreau, el pintor simbolista, que representó infatigablemente a la niña asesina, a la emblemática hembra perversa, al ser lunar que baila descalza sobre la sangre de Jochanaan, un santo, un hombre, a quien amó y a quien deseó con tanta intensidad que, para poseerlo, lo hizo degollar. Pero fueron los dibujos “art noveau” de Aubrey Beardsley los que, en 1894, ilustraron la primera edición de Salomé, y los que determinaron la estética de esta fascinante versión cinematográfica de 1923. Alla Nazimova es una artista irrepetible y tan desmesurada como el personaje que eligió encarnar buscando, quizás, un fracaso glorioso. Esta Salomé es exclusivamente suya, la financió, la produjo, la dirigió y, consecuentemente, se hundió con ella. La brillante discípula de Nemirovich- Danchenko y Stanislavski, la protagonista de las heroínas de Shakespeare, Ibsen, Chéjov, la pianista y violinista virtuosa, la feminista radical, la luchadora antifascista, la envidiada amante de Valentino, Natacha Rambova y Marlene Dietrich, se había ganado -¿qué otra cosa podía esperar de un fruto tan extraño?- la burla, el desprecio  y un abrupto final para  su carrera cinematográfica.
Retornando a Wilde: su obra, concluida en 1892, no pudo ser presentada en Inglaterra; cuando finalmente se logró estrenarla en París, en 1896, él estaba en la prisión de Reading Goal, cumpliendo una sentencia de dos años de trabajos forzados.
Autor: Oscar Wilde
Guión: Alla Nazimowa y Natacha Rambova
Fotografía: Charles Van Enger
Intérpretes: Alla Nazimova, Mitchell Lewis, Rose Dioe, Earl Scheck, Arthur Jasmie, Nigel De Brulier, Frederick Peters, Louis Dumar y elenco.

Dirección: Alla Nazimova y Charles Bryat