CICLO de cine argentino

EXILIOS e INMIGRACIONES

Miércoles a las 17.00 horas

miércoles 3

BUENA VIDA DELIVERY (2003) Drama

Color

Estreno: 12 de agosto de 2004

AM13

97 minutos

Hernán vive solo en una casa grande porque el resto de su familia emigró a Europa. Conoce a una enigmática chica. Al poco tiempo, toda la familia de ella invade la vivienda.

Dirección: Leonardo Di Cesare. Guión: Leonardo Di Cesare y Hans Garrino. Intérpretes: Ignacio Toselli, Moro Anghileri, Oscar Núñez, Alicia Palmes, Sofía da Silva, Ariel Staltari, Oscar Alegre, Gabriel Goity, Pablo Ribba.

miércoles 10

EL EXILIO DE GARDEL (1985) musical de tango

Subtítulo: "Tangos"

Coproducción con Francia

Color

Estreno: 20 de marzo de 1986

AM 13 Duración: 119 minutos

Un grupo de argentinos escapados del Proceso trata de sobrevivir en París.

Dirección y Guión: Fernando Solanas. Intérpretes: Marie Laforet, Miguel Ángel Solá, Philippe Leotard, Marina Vlady, Georges Wilson, Lautaro Murúa, Ana María Picchio, Gabriela Toscano, Miguel Etcheverry, Claude Melki, Gregorio Manzur, Leonor Galindo, Eduardo Pavlovsky, Jorge Six, Guillermo Núñez, Mirtha Cenedeiros, Guillermo Angelelli, Olkar Ramírez.

miércoles 17

ABRIGATE (2007) Comedia romántica

Coproducción con España

Estreno: 16 de octubre de 2008

Color

Estreno: 11 de septiembre del 2008

Duración: 90 minutos

La vida de Valeria da un vuelco al fallecer su amante Yves, mucho mayor que ella.

Dirección: Ramón Costafreda. Guión: Fernando Castets. Intérpretes: Celso Bugallo, Félix Gómez, Manuela Pal, Pablo Tamayo, Cristina Ramallal, María Salgueiro, Amalia Gómez, Álex Neira.

miércoles 24

MADE IN ARGENTINA (1987)

Comedia dramática

Color

Estreno: 14 de mayo de 1987

Duración: 86 minutos

PM 13

Tras una década de exilio en Nueva York, una pareja retorna a la Argentina de visita. Se reencuentra en Lanús con el hermano y la cuñada de la esposa, para descubrir qué los separa y qué los sigue uniendo.

Dirección: Juan José Jusid. Guión: Juan José Jusid y Nelly Fernández Tiscornia según la obra teatral de Nelly Fernández Tiscornia. Intérpretes: Luis Brandoni, Marta Bianchi, Leonor Manso, Patricio Contreras, Jorge Rivera López, Hugo Arana, Frank Vincent, Alberto Busaid, Mario Luciani, Gabriela Flores, Alejo García Pintos, Marzenka Nowak, Roxana Randon, Jorge Schubert y Aldo Piccioni.

jueves 4

Shakespeare y el teatro isabelino (I parte)

CAMPANADAS A MEDIANOCHE (España/Suiza, 1964)

Título original: Chimes at Midnight/Falstaff

Dirección y guión: Orson Welles

Fotografía: Edmond Richard. Música original: Angelo Francesco Lavagnino.

Productores: Ángel Escolano, Emiliano Piedra, Harry Saltzman y Alessandro Tasca.

Duración: 115 minutos.

Reparto: Orson Welles (Falstaff), Jeanne Moreau (Doll Tearsheet), Margaret Rutherford (Mistress Quickly), John Gielgud (Henry IV), Marina Vlady ( Kate Percy), Walter Chiari (Mr. Silence) Michael Aldridge (Pistol), Tony Beckley (Ned Poins), Jeremy Rowe (Prince John), Alan Webb (Shallow), Fernando Rey (Worcester), Keith Baxter (Prince Hal), Alan Webb (Shallow), Norman Rodway (Henry 'Hotspur' Percy), Jose Nieto (Northumberland), Andrew Faulds (Westmoreland), Patrick Bedford (Bardolph), Beatrice Welles (Falstaff's Page), Ralph Richardson (Narrador).

Hay muchas razones para elegir este film para introducir en este ciclo un espacio dedicado a Shakespeare. La principal es que se trata de una de las más grandes películas inspiradas en su obra (en mi modesta opinión -y con perdón de Kurosawa, Kozintsev, los proverbiales Oliviers, y el propio Wells- la más grande) la segunda es que nos ofrece una lección magistral de dramaturgia y, como gusta decir ahora, de intertextualidad: para componer la poderosa unidad de acción de Campanadas de Medianoche, Wells parte de las dos partes del Henry IV, Henry V, Richard II, The Merry Wives of Windsor de William Shakespeare, y de las "Chronicles of England, Scotland and Ireland" de Raphael Holinshed. La idea de esas campanadas se esboza ya en un guión de 1939 titulado Five Kings y fue probada (con relativo éxito) en 1960, en un montaje realizado en Dublín. El cine de Orson Welles -y puede que esto no les guste a los cinéfilos puristas- es de extrema teatralidad, en su inmoderada proyección expresiva están las claves de su singularidad cinematográfica. Y, si hablamos del autor de "El ciudadano" ¿hay alguna duda de que no se trata de teatro filmado?

La poética de Shakespeare es, además, inseparable de su biografía y sensibilidad: con ella se estrenó como actor en el Gate Theatre de Irlanda, su debut en Broadway se produjo en un montaje de Romeo y Julieta, apenas creado el Mercury Theatre produjo Macbeth y César, en cine nos quedan sus visiones de Macbeth (1948), Othelo (1953), "Orson´s bag" producida para la televisión incluye un Mercader de Venecia de la que, lamentablemente, solo nos quedan fragmentos, y el proyecto final -el que interrumpió la muerte- se llamaba King Lear.

jueves 11

EL MUNDO ES UN ESCENARIO: un viaje personal por el Teatro

(ALL THE WORLD´S A STAGE. One man`s journey through the Theatre)

Ronald Harwood, dramaturgo sudafricano a quien seguramente el público argentino recuerda por una pieza, El vestidor, puesta en escena en 1997 por Miguel Cavia, con Federico Luppi y Julio Chávez, es el autor de una historia del teatro que inspiró la serie de la BBC2 TV, de 12 episodios, que él mismo presentaba y cuya proyección iniciamos el mes pasado. Desde la prehistoria hasta nuestros días, Harwood nos acompaña por los escenarios históricos del arte dramático y, desde perspectivas lúcidas, atractivas y discutibles, nos propone un documento abierto, imprescindible que, además, se apoya en el trabajo y el testimonio de los más grandes artistas del drama del siglo XX y en puestas, fiestas y ceremonias teatrales paradigmáticas.

Episodio 5: UNA MUSA DE FUEGO: WILLIAM SHAKESPEARE

A mitad del reinado de Isabel I tiene lugar en Inglaterra una de las eclosiones teatrales más importantes de la historia de la escena occidental. La poética de Shakespeare es tan enorme que la asume y la trasciende, pero su genio resultaría azaroso sin una profunda reflexión sobre el tiempo y el espacio en que se produce, y sobre los hombres que lo protagonizaron. Christopher Marlowe, Ben Jonson, Thomas Kyd, John Webster, George Chapman, John Ford -para centrarnos en sus colegas dramaturgos- son solo algunos de esos nombres mayores sin los cuales ese Theatrum mundi, (en el que se atisba la revolución industrial y se reafirma la Reforma) resultaría casi una anomalía.

Episodio 6: EL TEATRO JACOBEO

La ostentosa llegada al trono, tras la muerte de Isabel I, de Jacobo I, que propone al monarca como al actor excluyente y decorativo, significa para el teatro inglés del siglo XVII un punto de inflexión que encuentra su dialéctica en estas dos visiones: "la escena es, o debiera ser, un espejo de la vida del hombre" (Ben Jonson, sobreviviente del gran teatro isabelino) / "las mascaradas son solo composiciones con luz y movimiento" (Iñigo Jones, el genial arquitecto que había aprendido en Italia el arte de la grandes efectos, la tramoya y las engañosas perspectivas). Entre lo despojado sustantivo y la forma sin sustancia, surgía, inevitable, la tragedia "de sangre" o "española", un exceso de teatralidad que parecía intuir la historia que venía: Cromwell, el regicidio, el fin de una época y de uno de los capítulos mayores del teatro del mundo.

jueves 18

Las puestas históricas (I parte)

A pedido del público (proyectada el 9/4/09)

LAS TRES HERMANAS

(The three sisters 1965)

Una producción del Actors Studio, sobre la puesta en escena de Lee Strassberg, dirigida para la pantalla por Paul Bogart.

Director ejecutivo: Cheryl Crawford; traducción de la obra original al inglés; Randall Jarrel; Grabada en video tape y transferida a película. Duración: 166 minutos.

Reparto: Andrei Gerald Hiken (Andrei), Shelley Winters (Natalya), Geraldine Page (Olga), Kim Stanley (Masha), Sandy Dennis (Irina), Albert Paulsen (Kulygin), Kevin McCarthy (Vershinin), James Olson (Baron Tuzenbach) Robert Loggia. (Solyony), Luther Adler (Chebutykin), John Harkins (Fedotik), David Paulsen (Roday), Salem Ludwig (Ferapont), Tamara Daykarhanoya (Anfisa)

Las tres hermanas de Anton Chejov significó, para Lee Strassberg, una apuesta de alto riesgo. El referente insoslayable, para bien o para mal, de un nuevo estilo de teatro norteamericano, que a partir de los años 30 con el Group Theatre, y especialmente desde finales de los 40 con el Actors' Studio, había convencido a sus compatriotas (y no solo a ellos) de que su "Método" era la traducción natural y ortodoxa de las ideas del gran director y actor ruso Konstantin Stanislavsky, llevaba mucho tiempo sin confrontar públicamente sus experiencias pedagógicas y dramatúrgicas. Años después, en "El Padrino, 2ª parte" de Francis Ford Coppola -esta vez, como actor- asumiría un riesgo similar. La que ofrecemos es la versión grabada de aquella producción teatral legendaria y, cualquiera sean las conclusiones que su visión nos sugieran, se trata de un material cuya importancia justificó su elección para inaugurar, en abril ppdo., el presente ciclo. En cuanto a Antón Chejov, conviene aclarar que, puntualmente, proyectamos revisar distintas versiones de ésta y otras obras suyas.

jueves 25

Las puestas históricas (III parte)

Shakespeare y el teatro isabelino (II parte)

LA TRAGEDIA DE HAMLET

(La tragedie d`Hamlet, 2001)

Adaptación y dirección: Peter Brook con la colaboración de Marie-Hélène Estienne

Música: Toschi Tsuchituri

Fotografía: Ricardo Aronovich

Producción: Yvon Davis

Reparto: Adrian Lester (Hamlet), Scott Handy (Horacio), Jeffery Kissoon (Rey/fantasma), Bruce Myers (Polonio/Sepulturero), Natasha Parry (Reina), Shantala Shivalingappa (Ofelia), Rohan Siva (Guildenstern/Laertes), Asic Rais (Rosencrantz), Yoshi Oida (Comediante 1), Akram Khan (Comediante 2), Nicolás Gaster (Sacerdote) Antonin Stahly (Osric), Jerome Grillon (Sirviente).

Auspicio: MEDIA Programe of the European Community. Presentada por: BBC, ARTE FRANCE, NHJ Japan, y AGAT film & Cie.

Duración: 150 minutos.

Peter Brook inició la puesta de este Hamlet pidiéndoles a sus actores que olvidaran a Shakespeare. Lo que en realidad les sugería era que intentaran desalienar su investigación de los estratos que cuatro siglos habían acumulado (puesto encima) sobre la tragedia esencial de Hamlet. Se trataba, básicamente, de olvidarse de Shakespeare para encontrarlo en alguno de esos espacios que Brook llama de "colaboración creativa": una dialéctica de estímulo, aceptación y libertad, cuya síntesis es el hallazgo de lo que se perseguía sin poder precisarlo. Hamlet es el personaje-esponja emblemático: aquel en el que las diversas sensibilidades históricas han encontrado facetas en las que espejarse (bárbaro, clásico, ilustrado y, durante mucho tiempo -de Irving a Olivier- romántico). Brook (y Peter Hall) iniciaron la fecunda historia de la Royal Shakespeare Company proponiendo la crítica de esas sedimentaciones (interpretaciones las llamaría Susan Sontag), la adoración acrítica que padece Brook entre nuestros teatristas aconsejaría un olvidarse de Brook, similar. La mejor manera, nos parece, es aplicarle su propia medicina y revisar su obra desnuda de exégesis para, quizás, descubrirla. El film que hoy presentamos no busca ser un registro de la puesta en escena de Les Bouffes du Nord, (París, 2000) de hecho presenta algunos cambios respecto al reparto original aunque respeta y aún refuerza su multiracialidad. La experiencia de la representación (su fisicidad, su riesgo, su fugacidad) es irrecuperable. Quede al menos el intento de la "restitución de una poética", como lo sintetiza Georges Banus.